The Art of Strings vol.5 KENJI KITAJIMA Interview

2022/10/28 at ON AIR Okubo Studio
Interviewer: Tak Kurita Gibson Brands Japan
Special Thanks: Jun Sekino

北島さんが全幅の信頼を置いているレスポール・クラシック・プラスのチェリーですが、譲り受けたものですよね？

叔父さんの形見です。もう亡くなられて随分経つんだけども、僕がこういう仕事なんで「ぜひ使ってもらいたい」って叔母さんから譲り受けました。

初めて弾いた時に何か感じるものがあったのですか？これはいいなとか、使えそうだなとか。

「ライブで使ってみよう」と思って、何回か使っているうちに「これ、すごい良い楽器だな」ってわかってきて。やっぱり大きな音で人前で鳴らしたほうがわかるので。徐々に好きになったという感じですかね。

良い楽器と感じるものと、そうでないものとの違いって何でしょう、一言でいうと？

一言のほうが難しいな（笑）

何言でも大丈夫ですよ（笑）

担当はギターなんでギターでいうと、１弦から６弦までの差があまりないっていうのが一番大きいですかね。良くない楽器は６弦の音が太すぎたり１弦の音が細すぎたりするんですけど、良い楽器は６本の弦がわりと同じところにいるというか、音を作る時にかたまり感が出しやすいですね。

出音のバランスが良くて、音がひとつのかたまりになって出てくるイメージですかね。

そうですね。

では、今日お持ちいただいたレスポールが北島さんのギブソンのベンチマークになっていると思いますが、収録に使用されたマーフィー・ラボは、自身のものと比べて「違うな」とかありましたか？

レスポールを何本も、人のも含めて弾いてきたけれども、けっこう個体差があるなと思っていて、その中では（メインのレスポール・クラシック・プラスと今回弾いたレスポールが）ちょっと似たところがありますね。さっき言った１弦から６弦までのバランスがすごく揃っているので、そういう意味では弾きやすいですね。

もう１本のSGはどうでしたか？

高校２年の時、アルバイトでお金を貯めて初めてギブソンのギターを買ったのがSGです。なぜならば、レスポールは35万くらいしたんですけど、SGだと22万5千円かな。レスポールが欲しかったけど高かったのでSGを買って、高校２年、３年の途中まですごい弾き倒してたんで、SGはちょっと愛着があるんですよね。その時買ったやつが、すごく太いネックで。今回のはレスポールがそれに近い太いネックだったけど。SGを弾き倒した後は、わりと薄いネックは弾きづらいなっていう・・・。太いネックに慣れてしまった。そういう思い出があります。

当時SGを弾くにあたって参考にしたギタリストとか音楽とか、バンドってありますか？

楽器によって変わるってことは多分そんなになくて、ずっと小学校から中学、高校まで、当時リアルタイムで流れていたバンド、アーティストで好きなものをコピーして弾いていたのが、「ついにギブソンを持ったんだぞ」ってことで、だいぶ個人的にはあがって、より熱心に運指練習をしたりとか、モチベーションがあがったってのはありますね。

キャリアの初期に使われていたESPのSTタイプは、最初は３シングルコイルだったものを後にハムバッキング・ピックアップにモディファイされたのですか？

もとはといえばアル・ディメオラが、ディマジオのピックアップをレスポールに換装するっていうことを流行らせて、「ピックアップって変えていいんだ」って僕らもびっくりして。で色々なメーカーが出てきたと思うんだけれども、先ずビル・ローレンスのピックアップに替えましたね。（シングルコイル・サイズのハムバッカー／L-220 x3）多分その時、マクサス／マイケル・ランドウにすごく感動してたんだけれども、「彼がビル・ローレンス使ってるんじゃないか」っていう不正確な噂が流れて、「ヨシ！」って替えてみて、しばらく使って、それから「やっぱり、ハムバッキングいいな」って、ハムバッキングに替えてからずっとそのままですね。

キャリアの中でハムバッキング・ピックアップがほとんどいっても過言ではない？

そうなんですよ。ギブソン／フェンダー論争ってのがありますけど、僕はハムバッキング・マイクがついていればそれでいいっていう。「ハムバッカー」なんですよね。まあそういいながら最近シングルコイルをよく使うんだけど。基本は中学からずっと「ハムバッカーが付いてれば満足」っていう。そのトーンが一番好きで、自分のキャラクターだと思っています。

ハムバッカーの中で好みはありますか？例えばハイパワーか、パワーそこそことか。

たとえばひとつの楽器のピックアップを替えて、元のピックアップの楽器と二つともあったとして、その場で鳴らしたら音がでかい方に負けちゃいますよね、人は。ピックアップの高さ調整ってのを僕はよくやるんだけど、ギリギリまで上げればそれで良いものではないっていう。上げるとパワーは出るしクッキリするんだけども、下げたときの、何ていうのかふくよかさみたいな。サステインも弱くなるんだけども、エレキ・ギターにはありがたいデヴァイスがいっぱいあるので、すごく歪むファズかなんか繋げたら最終的に出る音は良いものが出たりするので。ピックアップは何が好みってのは、今のところリファレンスはダンカンの59でしたっけ？（SH-1／59モデル）やっぱり古いギブソンをシミュレートしているっていう。バキバキにはパワーが無いほうが、その後のイジリがいがあるかなって僕は思っています。

過度なハイパワーではなく、楽器自体の音を自然にアウトプットしてくれるっていう。

そうですね。やっぱりハムバッカーの中でもニュアンスをちゃんと出したいなっていうのがあるので。いたずらにハイパワーじゃないほうが表現力があるんじゃないかなと感じてます。

その表現力に触れたいと思ってたんです。収録を見ていたところ、ボリュームのコントロールで歪の量を加減していますよね。ソロにいくときはボリューム・マックスとか。

そうですね。ライブ仕様みたいな感じかな。レコーディングではあまりそういう事はしないけど。オーバー気味に歪ませておいて、ちょっとボリュームを下げるとニュアンスが出やすいっていう。

北島さんのサウンドって、歪んではいるんですけど１音１音がクリアで輪郭がはっきりしていて、ピック弾きなんですけど指弾きで弾いているかのように表現力というかニュアンスをものすごく大切にして弾いている印象を受けました。そういう演奏をするにあたり、「アンプ、エフェクターは、こうセッティングする」っていうのはあるのですか？

まさに今言われた輪郭っていうのはすごく自分が大事にしていて、「こっから自分だ」っていう、「ここからオレだからね」みたいな。そういうのは常に意識しています。特に同じ楽器が複数ある場合、すごく大事なサウンドが混ざってよくわからないような「自分はどこにいるんだ」っていうのが分かりにくくなるのは嫌なので、輪郭を出すっていうのが一番の命題ですかね。

今日の演奏のサウンドは僕ら世代というか、おそらくはマーフィー・ラボというエイジド製品に惹かれる世代として嬉しかった。「やっぱ、これだよな」って。マーシャルとレスポール、SGで、そこにプレイヤーの表現／入力によって出てくる出音っていうのがロックの王道というか、「そうだよな、こういう音を聞いてきたんだな」って。とはいえ、最近はデジタル系のアンプも高性能になってきてギタリストの方でも使い分けるパターンが多いですよね。

そうですね、僕も使っているし。いろんな音のキャラクターがある中のひとつなのかなって思うんです。自分の音でも昔悩んだこともあるけど、今は「自分は毎日違う」っていうふうに思っているんです。スタジオでセッティングしっぱなしのアンプとマイクとで５日間くらいギター・ダビングするような時、そのまんま放っといて帰って翌日また来てそのまんまやるって時に、昨日と音が違うんですよ。「アレッ、音違うなぁ、なにも変えてないのに」って。それが最初は嫌だったけど、「自分は毎日違う」っていうことにしたらすごく安心して。音っていつも違う、変わることが普通で。だからデジタルの話に戻ると、そういうデジタルのアンプのキャラクターっていうのがあるって思っていて、その中で自分が気に入ったものを作ればいい。色んな種類の楽器があるように、デジタル製品、アナログのアンプ、エフェクターっていう。だからもう、そんなにデジタルだからどうこう、アナログだからどうこうってのは、あまり考えてないですね。

あえて線引する必要はない？

線引する必要はない。特色は自分なりにちゃんと掴んどかないとってのはあるけれど、そこに線があるってことはないですね。

昔からコンパクト・エフェクターであんなにシンプルなセッティングではないですよね？時代によっては冷蔵庫みたいなラックを組んだりとか？

冷蔵庫ありましたよ。ローディがかわいそうな感じの「これ持たせるのか」みたいなの。まあ流行りですからね、あれもね。もう無くなっちゃいましたね。今またコンパクトを足元いっぱい置いてあるじゃないですか。あれやりたいなって今頃思うんだけど、若者は最近オール・イン・ワンの方に流れていってるって話を聞いて、ますます組もうかなって。やっぱり人と違うことをやりたいので。でも、組むのは“歪み”。この前40代ぐらいの同業者と話して、彼の機材を見て、大きなボードに10何個くらいエフェクターがあるんだけど、その内半分歪みで、「気に入った！」って思って、今グッときてます(笑)

そこに行くかもしれない？

そこに行くかも・・・。

ファズだけで３つ入ってたり？

いいですねー。

次は北島さんのキャリア、ミュージシャンとしての過去から今までのことに入っていきたいです。最初はスタジオ・ギタリストの活動ですよね。

一番最初はライブをやったんで、その後です。

僕らの記憶だと昔の歌謡曲って歌手の方が前にいて、後ろがビッグ・バンドでしたよね。

そうですね、（ダン）池田さんとかね。

それがいつの頃からかバンド・スタイルになっていくじゃないですか、バックが。

そう・・ですね。

楽器の編成が変わったのでアレンジも変わっていって。海外のポップスとか、そういうものの流れから、その方向に行ったと思いますが、その変化の時ってどういう状況だったのですか？

色々な要因があると思うんだけれども、僕の感覚でいうとTOTOのような、ああいう集団があって、バッキング・ミュージシャン／セッション・ミュージシャンなんだけども、アーティスト性があるっていうのに憧れがありました。昔のシステムを知っているわけじゃないんで話にしか聞いてないけれども、オーケストラっていうかビック・バンドがいて、「せーの」で録る時代から、だんだん日本は変わってきて、その中でアレンジャー／編曲家の人が全部演奏を指定するんじゃなくて、ミュージシャンを呼んで「ここをこんな感じにしたいんだけど、どう？」みたいな感じで、その人がミュージシャンひとりひとりからヘッド・アレンジのアイディアを引き出すっていう。それで昔にはなかった新しいエッセンスというかアレンジの方向へ変わってきた中に、ちょうどタイミングよくというか、入っていったんじゃないかなと思うんですよね。自分はそれがすごく得意なのかどうかは今でもわからないけど、わりと僕ハードロック小僧だったので、自分の好きな形で弾くと喜んでもらえることが多くてラッキーだったなと思います。

以前のスコアが用意されていた時代から、アレンジャーの方がミュージシャンの方が持っている引き出しの中から気に入ったものを選ぶ時代になった？

そうですね。

先ほどハードロック小僧とおっしゃっていましたけど、ジェフ・ベックはもちろん、ラリー・カールトンとかスティーヴ・ルカサーとかロベン・フォードとか、そういうものも薫りますよね、北島さんのギターからは。

やっぱり好きでしたよ。そこから本格的にジャズ／フュージョンにいくかっていうと、いかない。そこからもう一歩足を踏み入れようとすると、自分はあんまり興味がないみたいで。ロベン・フォードのジャズのスケールにいきそうになってすぐ戻ってくるみたいな。あの時代が一番好きだし、常にスリリングっていうのかな。でもカールトン大好きでスティーヴ・ルカサーも大好き。

時流というか最先端のものも押さえつつ、自分の軸はやっぱりこれだってものがきっちりあったということですね。

それは自分は意識していない動きようのない自分の好みが変わらずあると思うので、それが自分の個性になっているかもしれない。

アレンジャーの方からすると、「これ録るんだったらあの人だ」、「これ録るんだったら北島健二だ」っていう感じですかね。

僕を呼ぶときのエッセンスっていうのがね。例えば「リフをここに入れたい」ってなった時、今まで経験のない人が頑張ってリフのメロディ書くよりは、散々そういうのをやってきた人を呼んで、「なんかあの曲のあれみたいなやつ」、『こんなのかな？』、「いや、そうじゃなくて」、『じゃあ、こんなのかな？』、「あっ、それそれ」っていう。その方が直球で早いですよね。

その流れで北島さんが呼ばれた楽曲、アーティストが吉川晃司さん、アン・ルイスさん、あと尾崎豊さんもそうですよね。

やりました。

アン・ルイスさんの「六本木心中」、代表曲ですけれど鳥山雄司さんと２人でギターを録った？

そうなんですよ。伊藤銀次さんアレンジで。銀次さんにもよく呼んでもらったけど、彼はちゃんとビジョンがあって。リズム・ギターの感じは新しいサウンドとエッセンスみたいな。多分ラインで録ってるんじゃないかな。で、被ってくるリード・ギターは“情熱バリバリ”みたいな感じのを上に乗せるっていう。僕はギター・ダビングに行って、もうリズム録りは終わってて、「チャッ、チャッ、チャーン、チャララ、チャラララ」はもう入ってて。

それが鳥山さん？

よく人に聞かれるんだけど、「あれは、鳥山雄司が弾いています」。

当時、鳥山さんとは一緒になることが多かったのですか？

鳥山君もたまにあるけど、僕、意外に鈴木茂さんとツイン・ギターで呼ばれることが何回かあって。僕もすごく好きな尊敬するギタリストなので嬉しかったし、何かちょっと相性いいみたいなのがありますね。

歌謡曲にハードロック風のギターを取り入れた第一人者が北島さんだと思うのですが、当時同じようなスタイルの方っていました？

スタジオ業界っていうか、スタジオ界で同業者を見渡すと僕が一番最右翼かなと思うんですけど。でもハードロックがイギリス寄りのものだって、まずいっぺん決めつけたとすると、アメリカよりのロックっていう人はいますよね、誰がとは言わないけど。僕はすごいイギリスだったんで、そういう人はあまりいなかったかもしれない。

アン・ルイスさんの曲もそうですけど、歌謡曲にハードロックのギターをマッチングさせるっていうアレンジはどうやって始まったんですか？誰かが仕掛けたんですかね。

誰かがじゃなくて時代の流れがそうなっていたような。ウェブで流行る言葉もそうだけど、誰かが言っちゃったのをみんなが「その間違い、いいね」みたいな感じで増えていくじゃないですか。いっぺんそういうエッセンスを入れてみたら「あっ、それいいね」っていう。リスナーも作る側も他の人達も、そういう時代の潮流があったんじゃないかなと思うんです。

日本の音楽で面白いのは、例えば演歌でもエレキ・ギターのイントロで始まったり、合いの手みたいなギターのフレーズが入ったり、歌謡曲にハードロックっていうマッチングもありで、その後は女性ボーカル、ユーロ系の音楽にハードロックのトリッキーなギターソロが入ったりとか、ギターが広い世代の色んなジャンルに広まったなと思うんです。なんでこんなに日本人はギター好きなのかなって。

今でこそギターは若者が持っている必須アイティムのベスト10の圏外に行っちゃってるぐらいの存在感だと思うんだけど、もっと長いタームで見ると、「日本人はギター好きなのかな」と僕は思いますね。寺内（タケシ）さんから。テケテケは僕は知らないけど、あの弾いてるサウンド、弾いている見場、スタイルが好きなんじゃないかと思うんですけどね。

北島さんの話に戻りますと、スタジオ系ギタリストの活動中にソロ作品を２枚リリースされていますよね。1981年に『反逆のギター戦士』、その１年後に今日SGで弾いていただいた「クリミナル・エステティクス」が収録されている『ギター犯罪美学』。

ちょっと言いづらいですが。（笑）

噛まないように気を付けました（笑）ああいうすごくファンキーでスリリングなギターもキラー・チューンなんですけど、もう１曲気になった曲があって。『ギター犯罪美学』のB面、レコードで聴いてますのでB面2曲目（笑）の「ムーヴィン・ウェーヴス」って曲で和泉宏隆さん（ex.T-スクエア）のピアノ。壮大な世界観の曲にエモーショナルなギターが炸裂してるじゃないですか。

はい。

アドリブですよね？

そうです、はい。

最初、びっくりして２回聴きましたよ、レコードだから針戻して（笑）

そうですか？今聞くとクドいやつだな、こいつって（笑）

いやいや（笑）、これ、みんな聴いた方がいいですよ。この時代にこんなにすごいものがあったったという。そして今日もう１曲レスポールで弾いていただいたのが「モーニング・サン」。これは『ヘヴィメタル・ギター・バトル』｛1985年、松本孝弘（B'z）、松川敏也（ブリザード）、北島健二、橘高文彦（筋肉少女帯）によるオムニバス・アルバム｝の１曲ですよね？

そうですね。

ソロ・アルバムを２枚出して、その後に今度は浜田麻里さん、吉川晃司さん、アン・ルイスさん、そして84年にTM NETWORKがデビューして、そのサポート、85年に尾崎豊さんの「卒業」が出て、87年になると、ついにフェンス・オブ・ディフェンスがデビュー。この７年くらいの間にかなり広範囲かつ高密度な活動をされていますが、ものすごく忙しかったんじゃないですか？

すごく忙しかったですね。毎日レコーディング・スタジオに行って、誰が歌うってことを教えてもらわないままレコーディングしているっていう。「今日、誰が歌うんですか」、「16才、女の子」って言われて、「ああ、わかりました」って、その気持で演奏するみたいな。そんな感じでスタジオを2つ3つまわって。

今あげただけでも、ほとんど時代の音を作ったといって過言じゃないと思いますけど。

忙しい人達に集中していましたね。

そういう時代があった後に、1985年にフェンス・オブ・ディフェンスを結成ですよね。

結成、はい。

ここで一回スタジオワークにケリをつけようと思った？

デビューしたらやめようかなっていう感じでしたね。その頃はまだ並行してやってたんじゃないかな。

やっぱり自身のバンド、そこにいきたかったというか、いくべきだと？

中学ぐらいからギターいっぱい弾いて、高校ぐらいに「プロになりたいな」と思ったときの自分のイメージは、「バンドで活動していく」というのが基本だったので。「そこ（バンド）にいくんだったら、それ以外はもうやる必要はない」っていう風に思っていましたね。

「これからはバンドでいくんだ」のきっかけのひとつが、TM NETWORKのバックっていうのはありますか？

きっかけのひとつかもしれないですね。ただ今言ったように、ずっとイメージはあったので。その間にアーティストを目指しながら個人としても人の仕事を請け負ってやるっていう二足のワラジ。そのスタイルは自分もいいなと思っていたので、気がついたら何年間かそっちばっかりやってたっていう。「バンド組まないか」、「ああ、いいね」っていうのが出てきたときに、僕がやりたかったのはこっちじゃないかって気がついて。もう十分っていうと変な言い方だけど、随分やったんで。いっぺん区切り、「ここから先どうなるかわからないけどバンドに集中しよう」っていうことで、未だに。ちなみにもうすぐ35周年ライブやりますけど。

同世代、近い世代の、例えば今剛さんや鳥山雄司さんとは違うディレクションに行かれたなと。

彼らもね、やっている部分もあるけど、僕はより“自分の名前で出ています”みたいなアーティスト指向が強い方かもしれないですね。

バンドでの活動は弾くギター、曲作り、制作の仕方が変わってくると思いますが、スムーズにいったのですか？

なんかモリモリしてたんで、特に結成して何年かは。ケンカもちゃんとしたし。ケンカしないとね、結びつきが強くならないと思うので。スムーズにではないですね。なんか怒涛のように、誰にも言われないけど、エネルギーが湧いてくるんで走り抜けた。抜けたっていうとあれだけど、走り続けてましたね。

あの時代にTM NETWORKが打ち立てた金字塔というか、打ち出したものは、その後の多くのアーティストに影響を与えた気がします。

今はまた再始動してますけど、すごい集団、すごいアーティストだなと思っています。今でも、たまに小室哲哉くんに呼んでいただいてレコーディングしたりとか。他のアーティストをやってるんですけど、すごい才能だなって思いますね。

フェンス・オブ・ディフェンスの活動が忙しくなってきて、TM NETWORKにB'zの松本さん紹介したのは北島さんだと聞きましたが。

そうですね。

交流は以前からあったのですか？

あの（笑）どこまで話していいのか・・・。さっきの２枚のソロ・アルバムを録ったのはコロンビアっていう青山にある会社／スタジオなんですけど、あの時代コロンビアにリハーサル・ルームってのがあって、所属アーティストは登録すれば使えたんです。そこで僕のソロ・グループもそうだし、織田（哲郎）も、よく集まって練習してたんです。その時にキーボードの友達だってやってきたんですよ、松本孝弘が「デモテープ、聞いてください！」って。今デモテープってないと思うけど。一緒にやっていたキーボードと松本君が２人でユニットを組んでやってるグループで、マクベスと書いてあった。で、中の音聞いて、めっちゃカッコよくて「すごくいいじゃん、このギターすごくいい」って。そのプレイを聞いて「わかった、このマクベスは、（マイケル・ランドウの）マクサスでしょ？」って聞いたら、「ええ、そうなんです」って言ってたという・・・。まだアマチュアだったけど、最初からいいセンスでしたね。

かなり長いですね。そうしたらもうデビュー前から？

プロになるよりもだいぶ前ですよね。

フェンス・オブ・ディフェンスは35周年ということで今でも継続していますし、2003年頃から水樹奈々さんのツアーにサポートで参加されていますね？

そうですね。2004年くらい、2003年かもしれない。

アニソン、例えば「ヒメムラサキ」（2005年、水樹奈々『バジリスク 甲賀忍法帖』）みたいに、アニソンって歪んだギターの音と相性がいいんですか？

なんとなく、昔からそういうイメージありますよね。特に戦隊ものとか。そういうアレンジが定番っていう。そういうアレンジの平準化みたいな。「あたりまえ」みたいな手法になってしまったところが、良くもあり、ちょっと残念でもあり・・・

北島さんのインタビューによると、「日本人には日本人のブルースがある」とおっしゃってます。

はい。

日本人のというか、北島健二のブルースの源泉というか、内から出てくるものは、どのようなブルースですか？

多分B.B.キングとかバディ・ガイとかをエリック・クラプトンが学生時代にコピーして、「こんな感じでやりたいたいな」って思ったけど、こんな感じになりきれなくて自分の味わいが出てしまう。やっぱり、イギリスの白人の味わいが出てしまうっていう。その“無意識の再構築”っていうのが僕の中では正しいと思っていて。だから自分はB.B.キング嫌いじゃないけど、あそこに夢中になったかというとやっぱり違って。それになりたいというか憧れてやったイギリスの白人のギタリストに僕はなりたいって思ってる東洋人の黄色人種だけど、演歌のフィーリングが抜けないし、歌謡曲のエッセンスもどうしても出てきてしまう。それは自然に出てくるから何の問題もなくて。モノマネじゃないので、なろうと思って練習して真似してみたら自分のバックボーンがにおってくる、出てきてしまうっていう。僕はそれが“継承してる”って思っていることなんです。最初のB.B.キングが本物で、それをそのままずっと継承しなくちゃいけないってのがブルースの全てじゃない。そういう形もあると思うけど、そうやって憧れて「なりたいな」と思っても自分が再構築しちゃう。そういう継承の仕方なのかな。そういうふうな意味で自分はブルース・ギタリストだと。B.B.キングの感じをやりたいわけではないんだけど、ブルースを継承している人間だと思っているんですよね。

自分の人生というか、これまで何を聞いてきた、何をしてきたか、そういうものが全部出てくるのがブルースだと。

ちょっと冷めた言い方に聞こえるかもしれないけど、アーティストってエディター（編集者）だと思っているんで。それは頭の中だけで全部完結しているのではなくて、無意識が混ざって衝動があってのことだと思うんです。自分が得たいろんなものを、ほぼ無意識に再構築して。「あ、これってカッコいい」っていうのを生む再編集作業みたいなものなのかなって思ってます。

高校生の終わり頃に「ギタリストになる」って言ったら勘当されたそうですね？

そうですね。うちの親は魚屋をやってたんです、おじいちゃんから二代。男３人兄弟で一番期待されていたと思うんですよ「こいつなら継いでくれるかも」って。それがもう、一刀両断に「やーめた」みたいな。「オレ、これやるから」って言ったら「ふざけるな」みたいな感じで・・・。あの・・・家を出ました・・・。

そして築地の青果市場でキャベツ運んでた。

ああ（笑）、キャベツ運んでましたね。

ミシシッピーで綿花畑じゃなくて（笑）

あー、近い近い。

ブルースですよね、これ。

そうですね。

今回の動画を見て北島さんの存在を知った人が、北島健二というギタリストを体現したというか象徴した作品を何か聞いてみたいと思った場合には、どの作品を挙げられますか？

自分の作品ですね？ 自分も好きで今回やった『ギター犯罪美学』の「クリミナル・エステティクス」は持っていくと必ず「またあれやろうよ」っていろんな所で言われるので、オリジナル音源を聞いてもらうといいのかなって思います。それと、さっき力説されていたので、「ムーヴィン・ウェーヴス」。（笑）自分も聞いてみます。

今は学校の教壇にも立たれているんですよね。

はい。

テクニック的なこと以前に、若いミュージシャン／ギタリストに、これは伝えておきたいっていうことはありますか？

これは常々生徒にも色んな人にも言っているんだけど、アーティスト／ミュージシャンは自分のキャラクターを持っているので、「自分の来た道しか教えられないよ」って。他のまた特色の違うギターの人が教えるときは、その人が来た道を伝えるしかないと思うので。自分が来た道を伝えるって意味では、僕はロック・ギターっていう中でも基礎練習をすごくやってきた人なので、くどいくらいに。（空手家の）大山倍達っていうと、今はあんまりわかんないかな、あの人にとっての腕立て伏せ。大谷翔平にとってならスイング練習なのかな。絶対とんでもなくやっているはずなので、基礎的な練習は勧めていますけどね。「ちゃんと弾けよって、ドレミファソラシドを」。わりとつまんない授業をやってます。

すごく地味な練習ですよね。

地味ですよね（笑）・・・多分「それをやったほうが絶対自分のためになる」って信じていれば、飽きないように自分で勝手に工夫するんですよね。16部音符のフレーズを３連符に変換して弾いていくと、一周がどんどん頭がずれてきて、リズムにすごく気をつけていないとできないので、今まで「つまんないなあ、テレビつけてやろうかな」みたいなのが、一気にテンション高まって「ちゃんと弾かないとできないぞ」みたいな。そういうモデル・チェンジを常にやっているので。その辺はうまく伝えられない部分でもある。楽しむことは忘れずに、やらなきゃいけないことはやらなきゃいけないので。そういう感じですね。

アドリブで直感的にやっているのかと思いましたが、基礎がきっちり練習できていないと、そこには行けない？

どうなんでしょうね。違う人が教えたら、また違うんだと思うんですけど、僕はきちんと弾くっていうのをわりと目指しているので。未だに出来ているのかわからないけど、そのために自分は“あしたのジョー”の「えぐり込むように打つべし、打つべし」をやっているつもりなんですけどね。そういうことは必要なのかな。

最後の質問です。この動画が公開されたら、織田哲郎さんから「次はオレに弾かせろよ」ってならないですかね？（笑）

（爆笑）・・・。いや「弾かせろ」ってタイプじゃないんで、「弾かせろ」とは来ないけど、オファーが来たらとんでもなく喜ぶでしょうね。ギター弾くの大好きですから。彼のスタジオには、もう置けなくなった次から次へと増えていく歪みのペダルが、グランド・ピアノの蓋を閉めたところにほぼ埋め尽くされるくらい置いてあって、「もう置き場がないんだ。でもしょうがないんだよ」って。それくらい好きなんでね、プレイと音作りがね。喜ぶと思います。